Unidad uno. Conceptos básicos.

La música es el arte de la escucha. Tanto público como intérpretes son a la vez oyentes. Por esa razón debemos aumentar nuestra cultura musical para apreciarla mejor.

Cuando algo suena con mayor intensidad nos llama la atención al resaltar sobre lo que veníamos escuchando. Lo mismo ocurre cuando aparece el silencio repentinamente.

La orquestación consiste en dar a cada instrumento una parte para interpretarla. Los dos elementos de la música que nos quedan son las notas musicales, que crean melodías y armonías y la localización de los instrumentos en el espacio.

Unidad tres. Notación musical.

La notación musical actual proviene del siglo XI y la inventó Guido d’Arezzo. La notación era cuadrada y sólo servía para las alturas, no para los ritmos. En el siglo XIII se empezaron a indicar las duraciones. Todo lo demás fue ideado entre el siglo XVI y el XX.

La última innovación en escritura musical tiene que ver con las vanguardias musicales del siglo XX, cuando la necesidad de escribir nuevas maneras de interpretar, obligó a los compositores a inventarse nuevas formas de escribir.

Las partituras pueden tener indicaciones muy precisas o ser un conjunto de sugerencias que den pie a la improvisación.

El pulso genera un movimiento o “tempo”. Para referirnos a él empleamos una serie de expresiones italianas o una marca de metrónomo, que se especifica con una figura rítmica a la que asociamos el número de pulsos por minuto que debemos hacer para tocar la pieza a ritmo óptimo.

Los compositores han tratado de ser creativos con el pulso y el ritmo, pero el público no siempre está acostumbrado a ritmos demasiado cambiantes y disfruta más de lo que ya conoce que de cualquier novedad. Aún así los compositores procuran construir sus obras de forma original incluso siguiendo el mismo estilo que los demás.

Unidad cinco. Patrones rítmicos.

El ritmo es llamativo aunque no entendamos muy bien la música que escuchamos. No sólo la música tiene ritmo; la vida se marca en ritmos regulares que llamamos rutina. En la naturaleza todo tiene ritmo.

El ritmo se compone de sutiles juegos de elementos cortos y largos y a su vez de subdivisiones, mientras que el pulso es regular. Es un casillero vacío donde colocamos el sonido y el silencio que compone la música. Los elementos que colocamos en esos espacios son las figuras rítmicas.

El ritmo se compone de duraciones y acentos que afectan a los sonidos y silencios que  presenta la música. Cuando estos acentos son regulares se crea un patrón repetitivo que junto con un pulso mantenido da lugar a lo que llamamos compás.

Unidad seis. Creación de compases.

Siguiendo la regularidad del ritmo es posible descubrir la estructura básica que lo compone, sus pulsos y el compás que ha empleado el compositor. El primer pulso de cada compás va casi siempre acentuado.

La armadura de compás nos indica el número máximo de figuras rítmicas que va a tener dicho compás. Todo lo que podamos escribir en ese compás en cuanto duraciones, será equivalente a lo que indique la armadura de compás.

En una armadura de compás nos encontramos tanto con la duración equivalente como con la manera en la que llevaremos el pulso. En la partitura viene indicado también mediante barras verticales que separan unos compases de otros.

La subdivisión de un compás se corresponde con la posibilidad de manejar notas más cortas que el pulso. Si el número de notas que empleamos en esa subdivisión es múltiplo de dos, el compás es de subdivisión binaria y si es múltiplo de tres será ternario. En los demás casos se alternarán los dos tipos de subdivisiones.

Los compases de amalgama, igual que los irregulares, tienen cierto grado de complejidad que nos permite jugar con el ritmo. Algunos compases regulares presentan esta misma propiedad como es el caso de un doce por ocho, regular al tiempo que de amalgama.

Unidad siete. Ritmo y percusión.

El ritmo caracteriza a la música. Puede ser patente y llamativo o rítmico, pero sin marcar el pulso con instrumento alguno. Incluso puede que sea imposible apreciarlo.

Las piezas de ritmo explícito suelen ser obras de carácter folclórico o popular. En la música clásica, el pulso está presente, pero no siempre es el elemento más destacado. El ritmo rubato se encuentra en el canto llano medieval y en ciertas improvisaciones de jazz o músicas de relajación.

La batería es un instrumento de percusión múltiple formado por idiófonos y membranófonos. Esta condición hace que cada baterista elija su kit o set básico, aunque existe un estándar.

La clave que emplearemos para la percusión consta de dos líneas paralelas en vertical. Normalmente empleamos un pentagrama, pero no es extraño que nos encontremos con sistemas de una a cuatro líneas, según las necesidades de aquel que escribe la partitura.

El patrón rítmico se repite a lo largo de la pieza y se interrumpe con lo que llamamos “breaks”, que son cortes de unos pocos pulsos, normalmente redoblando, y “fill in” o relleno, que suele durar uno o dos compases, separando cada una de las partes.

Las orquestas de salsa, samba y música afrocubana cuentan con músicos que se encargan cada uno de un instrumento y los más comunes son las maracas, las claves y las timbaletas.

En la sonorización se afina la batería y se le colocan los micrófonos. Luego los demás instrumentos y los micrófonos de los cantantes pasan por la mesa de mezclas y se comprueba que salga con calidad óptima suficiente señal de cada uno, todo ello repercutiendo en el equilibrio sonoro del conjunto.

Unidad ocho. Dinámicas.

Podemos conseguir relieve y profundidad en una obra musical para que no todos los sonidos se encuentren en primer plano. Para ello debemos tener diferentes niveles de intensidad, incluso en el mismo instrumento, para que unos sonidos no tapen a otros y los que acompañen no tengan prioridad sobre los que destacan.

Cuando se crearon los instrumentos no se pensaba en que empastaran los unos con los otros; sólo se idearon para que sonaran bien. Pero los músicos se dieron cuenta de que tocando en agrupaciones instrumentales se conseguía sonar mejor.

En un quinteto típico de guitarra, bajo, batería, teclado y cantante, la batería sirve para hacer más sencilla de entender la parte rítmica de la pieza. Si el baterista se pierde, todo el grupo se pierde. El bajista toca su instrumento dando una base armónica a toda la pieza e impide que alguien deje de sonar en el tono.

La banda de jazz añade una sección armónica. La sección rítmica la componen la batería, el contrabajo, el piano u órgano y en algún caso la guitarra. La sección solista está integrada por el líder de la banda y alguno de los miembros de las otras dos secciones a los que se permita improvisar.

Lo que diferencia a los instrumentos de viento madera de los de viento metal no es tanto el material con el que están construidos. Los instrumentos de viento metal cuentan con llaves y pistones para producir el sonido, al tiempo que es posible modificarlo con sordinas o con la mano.

Unidad once. Melodía.

Empleamos el término línea melódica para referirnos a una frase musical, que puede ser lineal o sinuosa, con grandes saltos o pequeños intervalos. La melodía es la firma del compositor que marca su impronta personal.

Cuando creamos una melodía es como si tirásemos de un hilo. Una vez tenemos la primera nota hay tres opciones para continuarla: hacer que se repita, tocar o cantar una nota más aguda o tocar una nota más grave.

La escala mayor de do presenta un tono entre todas las notas excepto entre mi y fa y entre si y do. Estas distancias de tono y semitono siempre son fijas. Cuando un músico ve la armadura sabe en qué dos tonalidades puede estar la obra. Una es la tonalidad mayor y otra la tonalidad relativa menor. Viendo cuál de las dos predomina deducimos la que será la tonalidad de la composición.

Las melodías pueden clasificarse según su final. También podemos encontrar partes dentro de una melodía, algo así como los sintagmas que componen una oración.

Unidad trece. Sonidos simultáneos.

Hay dos tipos de textura: la monodia y la polifonía. La monodia consta de una sola melodía y todos los músicos la interpretan. La polifonía consta de varias melodías simultáneas que suenan al mismo tiempo.

No es preciso crear un acorde como un bloque de sonido o como notas que se tocan de una sola vez. También se puede hacer polifonía desde la melodía con un canon.

Unidad catorce. Dar forma.

La música tiene una estructura arquitectónica. Nada en ella es arbitrario sino que el compositor ha querido que esa determinada melodía sonase ahí.

Una de las más sencillas maneras de componer y crear formas es escribir un rondó. Sobre una de las voces repetida, se crean las demás voces variadas.

Si aumentamos el número de instrumentos llegamos a la orquesta de cámara y si doblamos las partes, al tiempo que el número de músicos, tenemos la orquesta sinfónica.

Unidad dieciséis. La voz.

En un libro de anatomía humana encontraremos todo tipo de aspectos de nuestra fisiología, pero difícilmente habrá un apartado para la voz humana, al no ser un solo elemento. En esta unidad veremos tanto la característica orgánica de la voz y su uso como la clasificación de las voces.

La voz es una adaptación genética de dos aparatos diferentes; el respiratorio y el digestivo. Las cuerdas vocales son unos pliegues que cierran la laringe para evitar que ningún cuerpo extraño entre en los pulmones y la respiración, que es involuntaria, se convierte en algo consciente y controlado cuando hablamos o cantamos.

Unidad diecisiete. El folclore musical.

El folclore musical en España es muy rico y diverso. Hay unas danzas básicas, pero otras muchas variantes se encuentran en nuestra tradición musical popular.